De ce faci arta
Aceasta este intrebarea simpla pe care Greater Good a pus-o celor sapte artisti. Raspunsurile lor sunt surprinzatoare si foarte diverse. Ei mentioneaza realizarea de arta pentru distractie si aventura; construirea de punti intre ei si restul umanitatii; reunirea si inregistrarea fragmentelor de gandire, sentiment si memorie; si spunand lucruri pe care nu le pot exprima in niciun alt mod.
Toate raspunsurile lor sunt profund personale. In alta parte din Greater Good, exploram posibilele beneficii cognitive si emotionale ale artei si totusi acesti artisti evoca un beneficiu mai fundamental: fac doar ceea ce simt ca s-au nascut pentru a face.
Gina Gibney: A da putere altora
Coregrafia Ginei Gibney a fost prezentata pe scara larga in Statele Unite si in strainatate.
© Andrzej Olejniczak/Gina Gibney
Gina Gibney este directorul artistic al Gina Gibney Dance Company din New York, care a fost fondata in 1991 pentru a indeplini o dubla misiune: sa creeze si sa interpreteze coregrafii contemporane care se bazeaza pe puterea si intuitiile femeilor si barbati si pentru a imbogati si remodela vietile prin programe care ofera voce comunitatilor aflate in nevoie, in special supravietuitorilor abuzului domestic si persoanelor care traiesc cu HIV/SIDA.
Publicitate
X
Fac arta din cateva motive. In viata, experimentam atat de multa fragmentare a gandirii si sentimentelor. Pentru mine, a crea arta aduce lucrurile inapoi impreuna.
In propria mea munca, acest lucru este valabil pe tot parcursul procesului. La inceput, dezvoltarea materiilor prime de baza pentru lucrare este profund reflexiva si informativa. Mai tarziu, reunirea acelor materiale intr-o forma – distilarea si modelarea miscarii, crearea unui context, lucrul la ceva care se simte coeziv si complet. Este incredibil de puternic pentru mine – ceva care ma mentine cu adevarat in continuare.
Interesant este ca corpul lucrarii mele este ca un catalog al evenimentelor si gandurilor din viata mea. Pentru mine, a lucra este aproape ca si cum ai tine un jurnal. A oferi asta altcuiva – ca un fel de cadou prin spectacol live – este aspectul cel mai semnificativ al muncii mele.
Dansul este o forma de arta puternica pentru ca nu are nevoie sa se explice sau sa comenteze despre sine. Una dintre cele mai uimitoare spectacole pe care le-am vazut vreodata in viata mea a fost cea a unei femei – o supravietuitoare a violentei domestice – care dansa intr-o sala de conferinte minuscula dintr-un adapost pentru violenta domestica pentru alti supravietuitori. Nu era o dansatoare profesionista. Era o femeie care se confruntase cu provocari incredibile si care traia cu multa tristete. Ea a creat si interpretat un solo uimitor, dar sa fi descris performanta ei drept „trista” ar fi insemnat sa diminuam ceea ce am experimentat.
Aceasta este puterea dansului. Poti simti ceva si empatiza cu el la un nivel foarte profund si nu trebuie sa-i pui cuvinte.
Judy Dater: Imi place sa exprim emotiile
Un portret de Judy Dater
Judy Dater face fotografii de mai bine de 40 de ani si este considerata unul dintre cei mai importanti fotografi ai Americii. Beneficiara a unui Guggenheim si a multor alte premii, cartile ei includ Imogen Cunningham: A Portrait, Women and Other Visions, Body and Soul and Cycles.
Imi place sa-mi exprim emotiile – sa-i fac pe altii sa simta ceea ce simt eu cand fotografiez oameni.
Empatia este esentiala pentru portretizare. Am facut peisaje si cred ca pot fi foarte poetice si emotionante, dar este diferit de directitatea fotografierii unei persoane. Cred ca fotografiarea oamenilor este, pentru mine, cel mai bun mod de a arata cuiva ceva despre ei insisi – fie persoana pe care o fotografiez, fie persoana pe care o cauta – pe care poate nu stia deja. Poate ca este presumptuos, dar asta e dorinta. Simt ca ma ocup de oameni cand ii fotografiez si cred ca ii inteleg mai bine pentru ca ma uit la ei intens de 40 de ani.
Pete Docter: Este distractiv sa faci lucruri
Pete Docter a fost implicat in unele dintre cele mai populare si importante filme animate ale Pixar Studio, inclusiv Toy Story, A Bug’s Life, Cars si Wall-E, dar este cel mai bine cunoscut ca director al filmului Monsters, Inc, castigator al Oscarului. In prezent, Docter regizeaza Up, care va fi lansat in mai 2009.
Fac arta in primul rand pentru ca imi place procesul. Este distractiv sa faci lucruri.
Si sunt sigur ca exista si acea dorinta universala de a conecta cu alti oameni intr-un fel, de a le spune despre mine sau despre experientele mele. Ceea ce caut intr-adevar intr-un proiect este ceva care rezoneaza cu viata asa cum o vad si care vorbeste despre experientele noastre ca oameni. Probabil ca suna destul de indraznet de la cineva care face desene animate, dar cred ca toti regizorii de la Pixar simt la fel. Vrem sa distram oamenii, nu doar in sensul vacu, evadist (desi, cu siguranta, exista multe din asta si in filmele noastre), ci intr-un mod care rezoneaza cu publicul ca fiind sincer despre viata – o experienta emotionala mai profunda. pe care le recunosc in propria lor existenta. La suprafata, filmele noastre sunt despre jucarii, monstri, pesti sau roboti; la un nivel fundamental, ei sunt despre lucruri foarte universale: propriile noastre lupte cu mortalitatea, pierderea,
In calitate de realizatori, suntem aproape oameni ai pesterilor care stam in jurul focului de tabara spunand povesti, doar ca folosim milioane de dolari de tehnologie pentru a face asta. Spunand povesti, ne conectam unul cu celalalt. Vorbim despre noi insine, despre sentimentele noastre si despre ce inseamna sa fii om.
Sau facem doar desene animate. In orice caz, incercam sa ne distram si speram sa o faca si publicul.
Harrell Fletcher: Tot ceea ce oricine numeste arta este arta
O imagine din „The Problem of Possible Redemption 2003”, organizata la Bienala Whitney din 2004 din New York. Videoclipul este o adaptare a romanului lui James Joyce, Ulysses, filmat la Centrul pentru Seniori Parkville din Connecticut, cu seniorii citind replicile de pe carduri.
© Harell Fletcher
Harrell Fletcher preda la departamentul de arta de la Universitatea de Stat din Portland. A expus la Muzeul de Arta Moderna din San Francisco, la Muzeul de Arta Berkeley, la Socrates Sculpture Park din New York si in numeroase alte muzee si galerii din intreaga lume. In 2002, Fletcher a inceput Learning To Love You More, un site web participativ cu Miranda July, pe care l-au transformat intr-o carte, publicata in 2007. Fletcher este laureatul premiului Alpert in 2005 pentru arte vizuale.
Intrebarea de ce fac arta trebuie sa fie defalcata putin inainte sa pot raspunde.
In primul rand, ce este arta
Definitia pentru arta cu care am venit, care pare sa functioneze cel mai bine pentru mine, este ca orice numeste oricine arta este arta. Acest lucru vine din convingerea mea ca nu exista nimic intrinsec in arta. Nu putem face o analiza chimica pentru a determina daca ceva este arta sau nu. In schimb, simt ca a numi ceva „arta” este de fapt doar un mod subiectiv de a indica valoarea – care ar putea fi estetic, cultural, monetar si asa mai departe.
Daca ne uitam la alte tipuri de activitate creativa, putem vedea cum diferite forme pot exista si sa fie valabile in acelasi timp. Am facut ceea ce consider ca este arta inca de cand eram copil, initial desene, apoi fotografii, picturi, videoclipuri si asa mai departe. Cand am ajuns la scoala, nu eram atat de interesat sa fac mai multe lucruri si, in schimb, am inceput sa merg intr-o alta directie, care in zilele noastre se numeste uneori „practica sociala”.
Acesta este un fel de termen confuz, deoarece este atat de nou si nedefinit. Intr-un mod larg, cred ca este opusul Studio Practice – realizarea de obiecte izolate, pentru a fi afisate si, speram, vandute intr-un context de galerie. Majoritatea lumii artei opereaza cu aceasta abordare Studio Practice. In practica sociala, se pune mai mult accent pe idei si actiuni decat pe obiecte; poate avea loc in afara contextelor artistice si exista adesea un aspect colaborativ sau participativ al lucrarii.
Asa ca revenim la intrebarea de ce fac arta. In cazul meu, proiectele pe care le fac imi permit sa intalnesc oameni pe care nu i-as intalni in mod obisnuit, sa calatoresc in locuri in care nu as merge in mod normal, sa invat despre subiecte de care nu stiam ca m-ar interesa si uneori chiar ajuta oamenii in moduri mici care ma fac sa ma simt bine. Imi place sa spun ca ceea ce urmaresc este sa am o viata interesanta, iar lucrul pe care il fac ca artist ma ajuta sa realizez asta.
Kwame Dawes: Un mediu de empatie
© Rachel Eliza Griffiths
Kwame Dawes, Ph.D., este poet distins in rezidenta la Universitatea din Carolina de Sud. El este autorul a 13 carti de versuri, cel mai recent Cantecul lui Gomer si a unui roman, She’s Gone, care a castigat in 2008 premiul Hurston/Wright Legacy pentru cel mai bun prim roman.
Scriu in ceea ce este probabil un efort zadarnic de a controla cumva lumea in care traiesc, recreand-o intr-o maniera care sa-mi satisfaca simtul despre cum ar trebui sa arate si sa fie lumea.
Incerc sa surprind in limbaj lucrurile pe care le vad si le simt, ca o modalitate de a le inregistra frumusetea, puterea si teroarea, astfel incat sa ma pot intoarce la acele lucruri si sa le retraiesc. In acest fel, incerc sa am un anumit sentiment de control intr-o lume haotica.
Vreau sa-mi comunic cumva sensul despre lume – acel mod de a intelege, de a implica, de a experimenta lumea – altcuiva. Imi doresc sa fie transportati in lumea pe care am creat-o cu limbajul.
Asadar, scopul final al scrisului meu este de a crea un mediu de empatie, ceva care sa permita miracolul empatiei, in care fiintele umane pot parea sa se ridice din ei insisi si sa se extinda in altii si sa traiasca in altii. Asta are o putere extraordinara pentru fiinta umana. Si stiu asta, pentru ca asta imi face scrisul altora cand il citesc.
James Sturm: Motivele sunt neimportante
James Sturm este un caricaturist si co-fondator al Centrului pentru Studii despre Desene Animate din White River Junction, Vermont. Este autorul celui mai bine vandut si premiat roman grafic The Golem’s Mighty Swing, ales drept Cel mai bun roman grafic al anului 2000 de revista Time. In 2007, trilogia sa de romane grafice istorice a fost adunata intr-un volum intitulat America’s James Sturm: God, Gold, and Golems.
Imi place intrebarea „De ce faci arta
”, deoarece presupune ca ceea ce fac eu este arta. O presupunere magulitoare. Intrebarea ma duce, de asemenea, inapoi in primul an de facultate, unde intrebari precum „Ce este natura
” si „Este realitatea un val sau un cerc
” au fost dezbatute serios (de obicei, noaptea tarziu si dupa ce am fumat prea multa iarba).
Douazeci si cinci de ani mai tarziu, as vrea sa cred ca sunt putin mai clar in privinta acestei intrebari. Poate singura perspectiva pe care am dobandit-o este faptul ca nu am idee si, in al doilea rand, motivele sunt neimportante. In functie de starea mea de spirit, in orice zi, as putea atribui realizarea artei unui impuls inalt de a se conecta cu ceilalti sau de a intelege lumea sau un mecanism de adaptare narcisist sau o dorinta de a fi celebru sau terapie sau ca disciplina religioasa sau de a ofera un sentiment de control sau dorinta de a preda controlul etc., etc., etc.
Oricare ar fi motivul, exista o constrangere interioara si continui sa onorez acest imperativ intern. Daca nu, m-as simti cu adevarat oribil. As fi un om stricat. Deci, indiferent daca incercarea de a face arta este nobila sau egoista, ramane faptul ca o voi face totusi. Orice lucru dincolo de aceasta afirmatie este speculatie. Mi-ar fi teama ca prin proclamarea motivului pentru care fac arta ar genera propria mea propaganda.
KRS-One: Hip-hop-ul este dincolo de timp, dincolo de spatiu
Lawrence Krisna Parker, mai cunoscut sub numele sau de scena KRS-One, este considerat pe scara larga de critici si alti MC-uri drept una dintre cele mai influente figuri ale hip-hop-ului. La premiile Black Entertainment Television din 2008, KRS-One a primit Premiul pentru realizari pe viata pentru rapul si activismul sau.
M-am nascut asa, am nascut sa fac arta, sa fac hip hop. Si cred ca sunt doar unul dintre oamenii care au avut curajul sa ramana cu identitatea mea nascuta. Hip-hop-ul ma pastreaza fidel cu mine, ma face uman.
Hip-hop-ul este opusul tehnologiei. Hip hop este ceea ce face corpul uman: Breaking, DJing, graffiti writing. Corpul uman face breakdance, nu poti lua asta. DJing-ul nu este tehnologie; este inteligenta umana fata de tehnologie: taierea, amestecarea, zgarierea. Este fizic. Manipularea tehnologiei este ceea ce fac oamenii, asta este arta.
Sau ia scris graffiti. Pune un ustensil de scris in mana oricarui copil la varsta de doi sau trei ani. Ei nu vor scrie pe o hartie asa cum vor fi mai tarziu socializati, ci vor scrie pe pereti. Ei doar se joaca. Asta e uman. Graffiti-ul iti aminteste de umanitatea ta, cand iti scrii expresia de sine pe perete. Hip-hop-ul ne ajuta sa vedem lucrurile din lume in moduri noi.
De aceea hip-hop-ul m-a tinut tanar. Nu iti permite sa cresti prea repede. Hip-hop-ul este dincolo de timp, dincolo de spatiu. De aceea fac hip hop.
